日本京都彩绘陶瓷赏读:枯淡与华丽的交响
日期:2014-12-21 浏览:706次 
日本京都彩绘陶瓷赏读:枯淡与华丽的交响

  ㄑ叮┤毡揪┒际且蛔涤杏凭美返某鞘校庸794年建都平安京,直至明治天皇出走东京为止的1100多年里,大部分时间是天皇居住的城市,也一直是日本的^***文化中心。作为“千年古都”的京都,拥有丰富的文化遗产,17处古迹以及与这些建筑物相伴的优美环境组成的“古都京都文化遗产”已于1994年被登录为世界文化遗产,而那些被游客青睐的京都特产——京果子、油纸伞、西阵织,也无不蕴含着深厚的历史底蕴,而集枯淡与华丽于一身的“京烧”——京都彩绘陶瓷更是如此。

  京都彩绘陶出现于江户时期,它的创始人是野野村仁清(约1596-1680年)。他原名清右卫门,青年时在京都、濑户学习制陶技术,定居京都后师从三文字屋九右卫门学彩绘,宽永年间(1624-1644年)先后在清水、栗田口、清闲寺、岩仓等地开窑制陶。约在1646年,仁清入仁和寺宫制陶,得到以风优美细腻著称的“公卿人”金森宗和(1584-1656年)的直接指导,所做陶器深受赏识,被赐予“仁”字,便自号“仁清”。1655年,仁清皈依佛门,潜心于制陶艺术,1656年(明历二年)创制了当时中国也没先例的彩绘陶器,是为京烧之始。仁清将当时京都贵族阶级所追求的华美灿烂的境界,毫无遗留地表现在彩绘陶器的造型与色彩之上,开创出初期京烧登峰造极的盛期。他兼收并蓄狩野派和土佐派绘画的精髓,从卷轴画、障壁画、扇面画中吸取金彩银彩的配色方法,运笔设色给人以无限的遐想。从之后的1660年代至80年代,仁清作出了许多优雅而又华丽的彩绘陶器,那些遗留至今的仁清彩绘陶器已成为世界各大博物馆的重量级藏品。

  仁清最著名的作品就是他独创的四耳壶,是当时京都上流社会席上的名品,保存下来的珍品都已列为日本的重要文化财。如日本福冈市美术馆收藏的“色绘吉野山图壶”,高35.7厘米,是仁清的成名作(图1)。这件造型精巧色彩华丽的壶完美展现了仁清炉火纯青的辘轳成型技术和釉上彩绘技艺。画面以金、银、绿、紫、赤等色彩绘出山丘起伏的奈良吉野山万物复苏的美丽风景,再以绚丽的红彩、金彩、银彩及少量的黑彩绘出漫山遍野盛开的樱花,与细腻淡雅的白色乳浊釉面形成色调的对比,形成意境深远而又配色和谐的装饰结构。东京国立博物馆收藏的“色绘月梅图壶”(图2)据说是仁清所作十二只色绘花卉图壶中最为成功的一件。高30厘米,造型准确,胎体轻薄,说明其辘轳拉坯技巧纯熟自如的程度。细腻的胎质覆盖上白色的乳浊釉,据说也是仁清亲自配制的。作者借鉴桃山时代盛行的漆绘工艺,在釉面上以黑彩、金银彩涂绘出老梅的枝干,并兼用绿、紫彩结合白釉晕染出树干苍老的质感,红彩梅花以金彩勾点花蕊,再以金银彩点绘出银色的月光洒在大地上的美丽夜景,如同一首古琴演奏的名曲,给人以无限的遐想。

  如果说障屏壁画是平面展开画面,那么仁清的瓷壶彩绘则是立体展开画面,让人追思桃山时代的风韵。请看这件日本文化收藏的“色绘若松远山图壶”(图3),高26.3厘米。画面的大部分涂成漆黑地,再以金彩绘出起伏的山峦,这种鲜明的色彩对比显然是为了衬托“远山”;近景是淡绿色的若松,鲜红的椿花。这件彩绘作品可谓色调配合大胆,画面绚丽古雅,俨然是一幅立体的障屏壁画。

  出光美术馆收藏的“色绘罂粟花图壶”(图4)也是一件将色彩运用到极致的成功作品,高42.4厘米。与图3不同的是,作为背景的黑地只占了画面下方的一小部分,绝大部分画面都以华丽的金银彩、红彩、淡绿彩等表现怒放的罂粟花,配之以乳白色的釉面,色彩搭配明快艳丽,运笔设色可同杰出的画师媲美。

  仁清的彩绘道器具既有适应大众化的实用功能,又能体现道的孤寂之境,其彩绘形式的适度性,升华了江户初期京都人的生活感情。如北村美术馆收藏的“色绘鳞

波纹碗”,高8.8厘米,口径12.3厘米,底径5厘米。此器既保持了日本传统碗的朴素造型,又适度地施加以彩绘装饰,内壁局部施挂乳浊白、绿釉,外壁局部流挂绿釉,露胎部分彩绘鳞波纹,纹样与造型在艺术风格上得到了完美的统一。仁清曾师从以风优美细腻著称的金森宗和制陶,此件碗颇有金氏器之意境。MOA美术馆收藏的一对“色绘金银菱碗”也是日本的重要文化财。碗筒身,圈足,内壁通体黑釉,外壁施白釉,并在两只碗的上半部分别以金彩和银彩绘菱形色块,口沿施一道红彩,下半部分则以金、赤、绿彩绘出莲瓣纹,空白处填以黑彩地。此对碗装饰考究,色彩华丽,应是入得席的名贵碗。

  石川县立美术馆收藏的色绘雌雉香炉也是仁清制作的一件优秀艺术品,日本的重要文化财之一。小鸟曲肢卧地,转颈回首,尖喙似在梳理心爱的羽毛,长长的尾巴向上斜翘着,造型非常准确生动。而引人瞩目的还有那以浓淡有别的银彩绘出的羽毛,金彩与红彩仅在眼部周围略加点缀,色彩看似素淡,彩绘工艺却异常精致,一丝不苟。据说仁清制作了雌雄一对,雄雉香炉被定为日本的国宝。

  京都彩绘陶是一种具有个性美的艺术样式,每件作品都表现有作者鲜明的个人风格,而他们的作品一般都有作者个人的款识印记,如以上介绍的仁清作品,其他器物的器底都有“仁清”印记。

  京都彩绘陶的另一代表人物是尾形乾山(1663-1743年)。他出生于京都一个富有却又充满艺术氛围的家庭。他的曾祖母是京都“乐烧”陶艺家、日本著名书法家和画家本阿弥光悦的姐姐,父亲尾形宗谦是光悦派书法家小岛宗真的弟子,其兄尾形光琳更是17~18世纪日本装饰画派——宗达光琳派的集大成者。这一画派追求纯日本趣味的装饰美,它的影响波及到日本绘画和工艺美术,特别是在染织、漆器、陶瓷等方面,其装饰意匠被采用在与人民生活有关的各领域,对近现代日本民族审美意识产生较大作用,在日本美术史上占有重要位置。

  乾山自幼即习汉文,致力于书法、绘画。他与陶瓷的结缘是在25岁时,当时他在仁和寺宫前的山庄闲居,对制陶产生了极大的兴趣,便拜二代仁清为师,学习制陶技术,37岁时在京都郊区鸣泷的家宅里开窑制陶,此后的半个世纪都与陶艺为伴,取得了卓越的艺术成就。

  如果说仁清的彩绘陶器是以华丽、精致及严谨而闻名于世,那么乾山的彩绘陶器则是以优雅和富有艺术趣味著称。由于家庭环境的影响和个人的努力,乾山作为京都彩绘的大师级人物,比之于仁清,他已完全脱离艺人的范围,进入一个艺术家的境界。乾山彩绘作品趣味高雅,造型多是异形器物,如方菱形的壶、轮花形的钵、紫阳花形的透雕纹钵、方形盘、扇面盘、筒形餐具、叶形餐具、笔筒等。彩绘形式也极为丰富,有黑釉鹿纹、吴须铁绘(青花和铁锈花)、绘高丽(朝鲜风格的铁锈花和铜红纹样)及黄绿釉器物。

  乾山彩绘作品中最重要的特点是将光琳派画风展示在器物上,其中有一部分是与其兄尾形光琳合作的作品。这些作品多为方盘,这种平式体造型为作者展示其绘画才艺提供了较大的空间。方盘多采用铁绘形式,单纯的色彩加上简洁的构图,营造出的是一种寂寥淡雅的氛围,画面透出的是一种枯淡清逸的艺术美。如收藏于京都民艺馆的一对“铁绘寒山拾得图方盘”就是光琳和乾山合作完成的作品,盘中有诗有画有印,画法疏简,构图洗练,透出一种枯淡雅致之美。东京国立博物馆收藏的“铁绘观鸥图方盘”,展现出的是一种“绚烂之极归于平淡”的艺术境界。画者信笔而就,笔简墨淡,文人画式的构图,画面简洁极致,却又意境幽远。箱根美术馆收藏的“铁绘花鸟方盘”是乾山创作于元禄十五年(1702年)的作品,画面布局偏重一角,浮云、枯树、草木、雏鸟,以至江河,都取材于大自然,简练的构图又极具装

饰性,颇得文人画之意趣。

  乾山之兄光琳直接对自然界禽鸟花卉写生的原则也使他获益匪浅,乾山的彩绘陶以四季花鸟为主题,表达的形式有纯黑彩的大写意,也有金彩灿烂的装饰,但最动人的是介于两者之间的“写意式彩绘”。如被指定为日本重要文化财的“铁绘泷山水图碗”就是一件大写意作品,极其传统的器造型,却以挥洒自如的书法式用笔描绘出水墨画般的意境,表达的是作者对大自然、对家乡鸣泷山水的个性感受。“色绘龙田川纹深钵”则以金彩、红彩、绿彩等艳丽的色彩来描绘龙田川枫叶红了的美景,造型上也是以花边的翻沿并结合透雕的装饰,但金彩灿烂的装饰是以光悦和宗达式的简练构图来表现的,展现出的依然是乾山彩绘作品特有的艺术品位。“色绘梅花茶碗”是最能体现乾山“写意式彩绘”风格的作品,作者以没骨花鸟画般的大写意技巧,弄色釉如舞丹青,表现了大自然生机勃勃的灿烂景象。

  兼收并容多种彩绘形式是乾山成功的一个重要因素,如サントリ美术馆收藏的“铁绘青花金彩盖盒”其器表将白泥彩绘、吴须铁绘与金彩结合为一体,表现了金秋季节大自然的万种风情。

  仁清与乾山是日本制陶艺人中最早被社会各界公认的与狩野派、土佐派的御用画师地位相同的艺术家,他们的成功说明了“正是优雅的个性,使一个真正的陶艺家与一个仅仅是制陶器的人相区别。他必须能体验与分辨音乐、绘画、文学、哲学中优秀的东西,只有吸收了这些东西,他方能够将力量和个性贯通于他用黏土所制之物”(日本陶艺家藤元毛井语)。

  仁清、乾山之后,高桥道八、清水六兵卫、奥田颖川、青木木米、仁阿弥道八及永乐保全等人都为继承和发展、革新京烧作出了贡献。特别是奥田颖川(1753-1811年)烧出了京烧最早的瓷器。酷爱读书,自幼即习绘画、书法、篆刻的青木木米(1767-1833年)更是翻刻中国陶瓷史籍《陶说》,仿制中国彩绘,促进了当时京烧文人趣味和中国趣味的流行。这些京烧后期的大师们也都具有高度的文化修养,并与当时的艺术潮流紧密相连,他们所做的瓷器表现了文人情趣和都会洗练的审美情趣,达到了时代与个性的统一。正是他们的努力,京烧的传统才能延绵不绝,至今仍然兴盛不衰。

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